Módulo 18: El Neo-impresionismo

EL NEO IMPRESIONISMO.
Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

Tal como los impresionistas usan en su paleta colores puros, pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, éstos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendran la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si éste se coloca a la debida distancia. No hay otro medio para detener satisfactoriamente el juego y el choque de elementos contrastantes: la justa cantidad de rojo, por ejemplo, que se encuentra en la sombre de un verde, o el efecto de una luz naranja sobre un color local azul o bien, a la inversa, el de una sombra azul sobre un color local anaranjado. Si estos elementos se combinan de otra manera, y no por mezcla óptica, lo que se obtiene es un color sucio.

Detalle de La Parade (1889), obra puntillista de Seurat
El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo -mediante la mezcla de las partículas de color yuxtapuestas- una luz coloreada, el brillo de la luz y los colores de la naturaleza. De esta fuente de toda belleza, tornamos nosotros las partes fundamentales de nuestras obras, pero el artista debe seleccionar esos elementos. Un cuadro de líneas, y colores, compuesto por un artista genuino, representa una plasmación más mediata que la copia de la naturaleza tal y como nos la ofrece la casualidad. la técnica de descomposición de los colores asegura precisamente a la otra, una armonía cabal -divina proportione-, merced a la correcta distribución y exacto equilibrio de aquellos elementos, y según las reglas del efecto de contraste, gradación e irradiación. Los neoimpresionistas aplican estas reglas -que los impresionistas solo observaron aquí y allá y por instinto- en la forma más constante y estricta. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto. Para ellos, la pincelada no es más que una de las innumerables partes que, en conjunto, componen el cuadro; un elemento que desempeña el mismo papel que la nota en una sinfonía. Sensaciones tristes o jubilosas, estados de ánimo apacibles o agitados no se expresan ya a través del virtuosismo de la pincelada, sino mediante la correlación de líneas, colores y tonos. El arte de los coloristas está evidentemente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como con la música. Frente a una tela todavía intacta, el pintor debería determinar ante todo cuáles son los efectos de líneas y superficies que la cruzan, cuáles los colores y tonos que deberían cubrirla. La descomposición de los colores es un sistema que busca armonía, es más una estética que una técnica.

Los cuadros neoimpresionistas no son estudios ni cuadros de caballete: son ejemplos de un arte de gran despliegue decorativo, que sacrifica la anécdota a la línea, el análisis a la síntesis, lo fugaz a lo perdurable, y confiere a la naturaleza -tan hastiada ya de que se la reproduzca en forma dudosa- una verdad intangible"

Técnica del puntillismo
Consiste en pintar en base a pequeños puntos de un color puro, que vistos desde una distancia mayor se observa el arte de formar composiciones sin la necesidad de delinear. También se le conoce con el nombre de divisionismo.
El procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela.
Esta técnica fue desarrollada por primera vez por el artista George Seurat y luego por Signac.
La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.

El puerto de Saint-Tropez, 1907, de Paul Signac. Museo Folkwang, Essen.

De hecho, la declaración de Charles Blanc (El color, que está controlado por leyes fijas, se puede enseñar como la música), publicada por primera vez en 1865 en su conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud de los puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa. Según esto, al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay relaciones físicas entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y llevarse a efecto en el estudio. Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios. En su paleta también utilizaban el blanco mezclado con los colores primarios, lo que les permitía obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el blanco hasta llegar a la periferia.
Rueda de color


La rueda del color
y relaciones entre colores
Colores primarios

En primer lugar, están los colores primarios, que son los colores que no resultan de la mezcla de otros colores, y los que, mezclados entre sí en distintas proporciones pueden dar como resultado cualquier otro color.

Colores secundarios

Los colores secundarios son aquellos que se consiguen mezclando los colores primarios.




Colores complementarios
Dos colores son complementarios cuando están en lados opuestos de la rueda de color. Si se ponen juntos dos colores complementarios, ambos parecen más brillantes. El color complementario de un color primario (rojo, azul o amarillo) es el que se consigue mezclando los otros dos (rojo + azul = violeta; rojo + amarillo = naranja; amarillo + azul = verde). Asi:



El color complementario del rojo es el verde
El complementario del amarillo es el violeta
Y el complementario del azul el naranja.


Los experimentos físicos habían probado también que la mezcla de colores los ensucia y desemboca finalmente en el negro. Por ello, la única mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo. La técnica de pinceladas de los impresionistas no permitía la exactitud matemática que necesitaban los puntillistas para aplicar su sistema con pleno rendimiento. Mediante la adopción de minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho mayor que cualquier mezcla de pigmentos. En este sentido, sus estudios de luz y color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas, pero también se encontraron con mayores dificultades. Con más conocimientos y un ojo más disciplinado, tenían que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes simultáneos producidos por los colores que le rodeaban.

Clima gris. Seurat (1888)

Georges Pierre Seurat (1859-1891)
“Algún día verán poesía en mis pinturas. Yo sólo veo ciencia en ellas”
Seurat.

Poseía un carácter muy metódico. Estudió a diversos pintores anteriores a él, como a Delacroix y a Veronés, así como también le apasionaron de gran manera los escritos de Leonardo Da Vinci. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color. Se basó en la obra de Charles Blanc: La gramática de las artes del dibujo, para deducir así que "el color sometido a leyes fijas podía enseñarse al igual que la música". Estudió el tema de la complementariedad de los colores.
Seurat afirma que toda práctica debería estar regida por la observación. Para él era necesaria la utilización de colores puros y complementarios ya que al observar una obra puntillista la retina procede a fundir los puntos de color. El fundamento del color viene dado por la división del tono en sus componentes integrantes.
Su carta a Maurice Beaubourg en 1890, captura sus sentimientos sobre el acercamiento científico a la emoción y la armonía. Afirmó que "El arte es armonía. La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes".

Las teorías de Seurat pueden ser resumidas de esta forma: La emoción de la alegría puede ser alcanzada por la dominación de tonalidades luminosas, por el predominio de colores cálidos, y por el uso de las líneas dirigidas hacia arriba. La calma se alcanza a través de un uso equilibrado de la luz y la oscuridad, por el balance entre colores fríos y cálidos, y por líneas horizontales. La tristeza se alcanza utilizando colores oscuros y fríos y líneas que señalan hacia abajo.-->

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884.
Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte
Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.

Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simples de madera azul. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.

Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.

Joven mujer empolvándose la cara

Seurat, 1888-90.

Es un retrato de su amante Madeleine Knobloch. Nótese el contraste con la monumentalidad clásica del personaje con el contexto más bien frívolo que no sino un reflejo del interés de Seurat por la caricatura y el arte popular, los cuales dieron una nueva expresividad a sus obras, en concordancia con el avance paulatino del simbolismo.
Vemos en esta pintura un juego de apreciación y “burla” hacia su amante al ponerla en evidente falta de perspectiva con respecto a la mesita rococó que está frente a ella.
Algunos críticos han visto una suerte de crítica hacia la mujer perteneciente a la clase trabajadora –como era el caso de Madeleine- y su pretensión de parecerse a sus pares burguesas a través del uso del maquillaje y otros aditamentos.
También podría tratarse de una denuncia contra la frivolidad burguesa o una exaltación de la voluptuosidad de su amante.

Entre sus obras más representativas se encuentran: Un baño de Asnières, Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, Modelo de espalda, Modelo de pie, Modelo sentada de perfil, Las modelos, Port-en-Bessin, Antepuerto con pleamar, Joven empolvándose, El Chahut, El circo, entre otras.

Paul Signac (1863-1935), es considerado como un divulgador y propagandista del puntillismo. Descubrió a los artistas impresionistas cuando tenía 15 años, como punto de partida tuvo a Monet a pesar de que luego se separó de él, para acercarse posteriormente a Seurat. Era mucho más extrovertido que Seurat, el cual tenía miedo de que sus descubrimientos pudieran ser aprovechados y ser copiados.
Siempre le obsesionó la idea de llegar a un arte objetivo. En 1899 escribe "De Delacroix al Neoimpresionismo", la cual va a ser una obra donde se fundamenta el puntillismo. Fue un gran colorista tomado siempre en cuenta por la vanguardia posterior. Tuvo gran influencia en el Fauvismo, sobre todo en Matisse. Su pincelada puntillista también influyó en el futurismo.

Signac amaba navegar y comenzó a viajar en 1892, en un barco pequeño a casi todos los puertos de Francia, Holanda y alrededor del Mediterráneo, llegando incluso hasta Constantinopla, teniendo la base de su barco en St. Tropez, que él "descubrió". De todos esos puertos en los que estuvo, Signac llevó consigo acuarelas vibrantes y coloridas, tomadas rápidamente del natural. A partir de estos pequeños esbozos, pintó grandes lienzos en su taller, que están cuidadosamente trabajados a partir de pequeños cuadrados de color, a modo de mosaico, bastante diferentes de los pequeños puntos multicolores que previamente había usado Seurat.

Signac experimentó con varios medios. Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos. Los neo-impresionistas influyeron en la siguiente generación: Signac inspiró, en particular, a Henri Matisse y André Derain, desempeñando de esta manera un papel decisivo en el desarrollo del Fauvismo.

El puerto de Marsella.

Le port de Marseille, 1907.



Preguntas de aplicación:

1- ¿En qué consiste la técnica del puntillismo o divisionismo usada por los Neo-impresionistas?
2- Comenta la pintura Clima gris de Seurat. ¿Qué tipo de colores predominan? ¿Cómo se interelacionan? ¿Qué sensación o sensaciones experimentas al contemplar esta imagen? ¿Crees que se puede transmitir estados de ánimo mediante la pintura y la elección de los colores? ¿Por qué?
3- ¿Cómo se plasma la teoría de Seurat sobre la creación de estados de ánimo en su pintura Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte?
4- ¿Qué tipo de colores predominan en El puerto de Marsella de Paul Signac? ¿Qué sensación o sensaciones te produce?