módulo 7: Arte romano

Tema 5: EL ARTE ROMANO

Existe hoy en día una polémica historiográfica entre los que opinan que el arte romano es una imitación del griego y que no aporta nada nuevo, y los que opinan que sí existen diferencias. Éstos últimos aducen que en arquitectura las técnicas, los materiales, la finalidad y la concepción son nuevas.
Que en escultura y pintura existe un arte oficial al servicio del Estado y que está dominado por patrones griegos pero que existe una corriente popular, otra línea artística para las clases medias.
El arte romano es un producto de la sociedad que lo creó, condicionado por una estructura socio-económica diferente a la griega y por otras necesidades que debía satisfacer.

1 Contexto histórico
Roma fue fundada en el 753 a.C. por un pueblo del Lacio llamados después romanos. Del 753 al 510 la ciudad de Roma es gobernada por siete reyes, el primero es Rómulo y es romano pero después los reyes son etruscos ya que Roma cayó bajo la dominación etrusca hasta el 510, cuando los romanos consiguieron expulsar a Tarquinio Severo, último rey etrusco y entonces, cansados de reyes, los romanos fundan la República romana y comienzan su expansión. Al ser un pueblo acosado, aprendieron a vivir en permanente estado de guerra y su estrategia era bien sencilla: la mejor defensa
es un buen ataque. Así comenzaron su expansión por la península italiana. En el siglo III ya habían absorbido el reino etrusco y el resto de Italia. Pronto van a ser atacados por la potencia vecina que pugnaba con ella por el dominio del Mediterráneo occidental, Cartago. De las guerras púnicas Roma sale como dominadora del Occidente y pronto conquistará el Mediterráneo oriental hasta convertirlo en un Mare Nostrum.
La república dura hasta el año 30 a.C. cuando, después de Cesar, Augusto es proclamado emperador y la República romana se convierte en Imperio Romano. Augusto vive hasta el año 14 y con él se da el cenit militar y cultural del Imperio. Desde él hasta el 476 el Imperio no hace sino declinar. Tras Augusto viene Tiberio, Calígula, Claudio, Nerón, etc.
En el 313 se produce el Edicto de Milán. El emperador Constantino proclama al cristianismo como la religión oficial del Estado y traslada la capital a Constantinopolis (Bizancio). Entonces comienza el arte Paleocristiano.

En el 379 Teodosio separa el Imperio en dos partes, una parte occidental con capital en Rávena para su hijo Honorio y otra parte Oriental con capital en Bizancio para su otro hijo Arcadio. En la parte oriental comienza el arte bizantino.

División del imperio romano hacia el 379: la parte lila es la oriental con capital en Constantinopla (Bizancio)


En el 475 sube al poder el último emperador de la zona occidental Rómulo Augústulo y un año más tarde, Odoacro, rey de los Érulos lo destituye poniendo fin al Imperio Romano de Occidente, el cual se deshace en diferentes reinos germánicos. Comienza
entonces el arte germánico: visigodos, ostrogodos, galos, lombardos, etc.
Mientras el Imperio Romano de Oriente o Imperio Bizantino proseguirá durante mil años más hasta el 1453 cuando Bizancio es tomada por los turcos y se transforma en Estambul.

2 Características generales.
Existe un cambio de ideas radical: del platonismo helénico se pasa a un aristotelismo en Roma, de la abstracción y el idealismo utópico se pasa a lo sensitivo, lo concreto y lo práctico. Si los griegos eran artistas por capricho estético los romanos son ingenieros que hacen obras de arte.
Ahora no se busca al hombre como parte del cosmos sino como un individuo concreto. El individualismo romano lo observamos en el artista, cuya personalidad se ve en la obra y en la temática: los relieves narrativos son de hechos concretos, los retratos son de personas con nombres y apellidos, muchas veces vivas.

3 Arquitectura
En arquitectura los romanos ganan en dinamismo. Del estatismo de la adintelada griega pasan al movimiento del arco, la bóveda y la cúpula.

dintel (predominante en la arquitectura griega)

arco

Ellos son, además, los primeros que combinan en una sola fachada los dos sistemas creando el sistema mixto. También es una arquitectura más funcional. Se acabaron los caprichos artísticos. Ahora deben ser bellos paro ante todo deben servir al Estado. Ellos innovan muchísimo, crean el eje de simetría horizontal en el edificio (por partes o bandas), crean la planta basilical, el ábside que prolonga la nave central.

planta basilical

Frente a una arquitectura abrumadoramente religiosa como era la griega, la romana es mucho más civil y militar. Si los griegos son urbanistas más que arquitectos, los romanos más que arquitectos son ingenieros.
Emplean los materiales más baratos y sólidos: el ladrillo, el hormigón, el sillar cuando hace falta, etc. El hormigón o mortero lo fabricaban con cal como base de unión y cantos rodados o grava.
El resultado era un material fuerte y barato. El exterior de estos muros podía ir revestido con placas de piedra o mármol para darle más vistosidad.
Los romanos construían empleando cuatro sistemas de aparejo a los cuales les dieron nombres:
·1.- Opus reticulatum: es sólo revestimiento a base de teselas escuadradas

2.- Opus Testaceum o latericium: son ladrillos a soga y tizón

3.- Opus incertum: bloques de piedra irregulares con sillar sólo en las esquinas

4.- Opus cuadratum: bloques paralelepípedos unidos con mortero.

Arcos

En arcos sólo emplearán el de medio punto

arco de medio punto

y en cuanto techumbres usan la adintelada pero también la bóveda de cañón, la de arista y la cúpula semiesférica o de media naranja.

En cuanto a los soportes los romanos copian el concepto de orden arquitectónico de los griegos y de hecho utilizarán los tres órdenes griegos pero con plena libertad: alargando sus proporciones, superponiendo los diferentes órdenes en las plantas de un mismo
edificio, etc. Sin embargo ellos crean dos órdenes que son propiamente suyos: el orden toscano y el compuesto.

El orden toscano es de origen etrusco, los cuales lo habían copiado de los Dorios, por eso no es más que una simplificación del Dórico. La columna tiene basa simple y el fuste es liso y un poco más largo. Lo demás es igual.

Utilizaron mucho el corintio helenístico porque era el que tenía más presencia, el más
rimbombante pero pronto crearon ellos mismos un orden compuesto similar al corintio: es una combinación de volutas jónicas y hojas de acanto corintias.

3.1 La ciudad romana
En gran parte de los territorios conquistados, el dominio romano marcó el paso de la aldea a la ciudad. Los romanos son urbanos, creen en la ciudad como unidad administrativa, militar y económica.
Ellos divinizan a una ciudad y todo el Imperio llevaba su nombre. Este pasado convierte a los romanos en urbanistas convencidos, pero más prácticos que los griegos.
Existen dos tipos de ciudad: las “coloniae” o de nueva planta y las “municipia” sobre un núcleo ya existente. Ellos son igualmente buenos reformando y rehabilitando ciudades antiguas como construyendo nuevas.
El modelo lo toman de la ciudad helenística alejandrina: un recinto de planta rectangular o cuadrada, dotado de puertas en cada uno de sus cuatro lados. Dos arterias principales forman una cruz dentro del recinto: el cardus de Norte a Sur y el decumanus de Este a Oeste. En la intersección de ambas se sitúa el foro o plaza mayor, también con funciones políticas como el Ágora. De estas dos calles principales nacen otras calles
secundarias que van articulando la ciudad pero ninguna se decora como las dos principales, con pórticos y columnatas. El pomerium es la línea sagrada que rodea a la ciudad, la cual podía ser una muralla según las necesidades defensivas y tras ella estaban las necrópolis, siempre extramuros.

necrópolis romana

3.2 Construcciones urbanas
3.2.1 El Foro
Era el centro urbano, religioso, político y comercial. Alrededor de él se encontraban los
templos, las basílicas civiles (no cristianas), el Senado, las tiendas, las bibliotecas. Normalmente era una plaza enlosada, rodeada de pórticos y decorada con efigies
de emperadores. Era el centro cívico puesto que era lugar frecuente de reunión, allí se situaban los predicadores, los oradores que se dirigían al público desde una tribuna, etc.
El primitivo foro romano o Forum Magnum de Roma se quedó pequeño para las necesidades de una ciudad que llegó a tener un millón de habitantes, por lo que se construyeron otros: el Foro de Cesar, el de Augusto y el de Trajano.

foro de Trajano

3.2.2 El templo
Es una síntesis del griego y del etrusco. Es casi siempre pseudoperíptero y se diferencia del griego porque está elevado sobre un podium al cual se accede sólo por una escalinata de la fachada principal, (en el templo griego la crepis estaba por los cuatro lados del templo).

Templo de Portunus o de la fortuna viril
El templo de la Fortuna Viril es un templo jónico del siglo I a. C. y situado en Roma.

La religión romana también estaba al servicio del Estado y era un elemento de cohesión. Por eso el templo romano no tiene tanta carga estética como el griego.
La Maisón Carré o casa cuadrada es un templo romano ubicado en Nimes. Es también del siglo I a. C. y es de orden corintio y pseudoperíptero.

La Maison Carrée en Nimes, un templo romano hexástilo pseudoperíptero.

En arquitectura, un edificio pseudoperíptero tiene columnas en el pórtico delantero, pero cuyas columnas de los lados están encastradas en los muros del edificio. Los antiguos romanos prefirieron los edificios pseudoperípteros, con un pórtico en la parte delantera, con columnas encastradas a lo largo de los lados y muros en traseros en la cella.


Entre los templos de planta circular el más importante es el consagrado a la diosa Vesta en el Forum Magnum. Es un templo períptero con claras influencias del Tholos de Marmaria. Presenta una cubierta cónica de teja y una sola naos o cella de planta circular
también.

Templo de Vesta

Pero el templo más grandioso de todo el mundo romano es el Panteón de Agripa en Roma. Presenta una pronaos octástila, como si fuera a ser un templo rectangular, pero cuando llegamos a la naos vemos que ésta es circular.

Panteón de Agripa

Es un templo de planta circular pero fachada recta. La naos está cubierta por una gran cúpula semiesférica (de 43 metros de altura y 32 metros de diámetro). Está realizada con materiales ligeros para evitar peso y decorada con casetones. En su clave presenta una claraboya que hace más arriesgada su construcción. Esta cúpula es una demostración del dominio de pesos y contrapesos que tenían.
Se sitúa sobre un tambor decorado con mosaicos y esculturas. Se empezó a construir a finales del siglo I a.C. pero fue acabado por Adriano en el siglo I d.C.

3.2.3 La Basílica
Es un edificio propiamente romano, destinado a asuntos judiciales, es sede de los magistrados y en él se celebraban los juicios, pero a la vez era un centro comercial. Su planta es rectangular con tres naves, una central más alta y dos laterales separadas por columnas. En su cabecera el ábside prolonga la planta central y es el lugar donde se
colocaban los jueces.

Sólo se aboveda y se ilumina la central. Las laterales llevan techo plano al interior. Al exterior la central lleva techumbre de doble vertiente y las laterales de una sola vertiente. Las naves laterales tienen un bajo techo abierto a la nave central que se
denomina tribuna. Este esquema de planta basilical pasará íntegro a la primitiva basílica paleocristiana a partir del Edicto de Milán en el 313 pero ya con fines religiosos.
La basílica mejor conservada es la de Magencio realizada en tiempos de Constantino
donde vemos los tres vanos que daban acceso a las tres naves que, en este caso, iban
abovedadas las tres, iniciando así el esquema general de fachada de catedral cristiana.

basílica de Magencio


3.2.4 Las termas
Son los baños públicos que sirven también de lugar de reunión y conversación. Eran unas instalaciones complejas, con salas de gimnasia, de vapor, de masajes, piscina de agua caliente o “caldarium”, calentada por conductos de aire caliente bajo el suelo,
piscina de agua templada o “tepidarium” y de agua fría o “frigidarium”. Los vestuarios o “apoditerium” estaban alrededor de cada sala. De la época republicana se conservan las termas de Pompeya donde se aprecia el caldarium.

termas de Pompeya

3.2.5 La vivienda romana.
El precedente era la vivienda etrusca y consta de una planta rectangular con una puerta
principal que da paso al vestibulum por el cual se accede al Atrio. El Atrio es el patio central, también rectangular y cubierto sólo parcialmente. La parte central del atrio está abierta al exterior y alrededor hay una parte porticada, sostenida por columnas y con cuatro tejadillos con vertiente hacia el interior. Por el hueco abierto entra la luz a todas las estancias y el agua de lluvia se recogía en un estanque o “impluvium” mientras que el agua de lluvia de la parte cubierta se canalizaba por el “compluvium” (los cuatro tejadillos del atrio) hacia el impluvium.

Los dormitorios o “cubicula” se sitúan a ambos lados del atrio en las alas -”alae” de la
casa y al fondo están las dos salas de estar, el “tablinium” o salón y el “triclinium” o
comedor. A partir del siglo II a.C. la influencia griega hizo que a la casa se le añadiera un patio columnado o “peristilum” con jardines, surtidores y esculturas. Algunas casas tenían en la fachada “tabernae”, tiendas donde se despachaban diferentes artículos.
El ejemplo más claro de casa romana se da en Pompeya, donde gracias a las cenizas del Vesubio se han conservado hasta nuestros días perfectamente. Allí se encuentra la casa de las Augustales donde vemos el atrio y el perístilum perfectamente conservados.

3.3 Los edificios de espectáculos.
3.3.1 El teatro

Deriva del griego aunque con innovaciones considerables. Los graderíos semicirculares o “cavea” se construían sobre galerías abovedadas, no aprovechando el desnivel del terreno como en Grecia. Por lo tanto el teatro romano tiene fachada exterior y ésta
tiene una estructura mixta, adintelación más arco y bóveda y con los tres órdenes en superposición de pisos.
Entre la cavea y la escena estaba la orquesta que, en el caso romano, es semicircular y no ultrasemicircular. Su función también cambia: servía para instalar a los altos personajes y no como lugar del coro (el teatro romano no es mudo y la función
del coro pasa a un segundo plano). Ahora el coro se traslada a un lateral de la escena llamado tribuna.
El Teatro de Mérida fue construido hacia el año 16-15 a. C y donado por Marco Agripa (yerno del emperador Augusto), data de casi la misma época de la fundación de Emerita Augusta.
Estuvo en uso hasta la segunda mitad del siglo IV, La capacidad del Teatro era de unas 6.000 personas.
De la época imperial es el teatro Marcelo donde vemos el exterior con el sistema mixto y la superposición de órdenes.

teatro Marcelo

3.3.2. El anfiteatro
Es como un teatro doble, es decir, circular y cerrado, como una plaza de toros y de mayores dimensiones que el teatro. Se dedicaba a los espectáculos cruentos: lucha de gladiadores (los romanos eran unos enamorados de la fuerza), luchas de fieras salvajes, sacrificios de ladrones o disidentes -cristianos- e incluso combates navales. Eran circulares o elípticos y la arena se separaba de la cavea por una abalaustrada muy
alta. Bajo la cavea estaban las dependencias subterráneas de las que salían los gladiadores, las fieras, etc. En el exterior se repite la organización de fachada del teatro con dintel más arco y superposición de órdenes.

Coliseum

El anfiteatro más grande del Imperio debía ser el de Roma, el anfiteatro Flavio o Coliseum del siglo I d.C. Se comenzó por Vespasiano en el 72 d.C. y fue terminado por su hijo Tito en el año 80. Fue construido por prisioneros judíos y consta de cuatro pisos, de planta elíptica con un diámetro largo de 187 metros. Al exterior hay superposición de órdenes en los tres primeros pisos y liso después. En caso de mal tiempo podía cubrirse con una gran lona sobre un entramado de railes, quedando un orificio en el centro. Tiene canalizaciones comunicadas con el Tiber por donde podían inundar la arena para simular combates navales (naumaquias).
Otro anfiteatro menor es el de Arles, también elíptico y de dos pisos. Es un coliseo pequeño que hoy en día se utiliza como plaza de toros.


3.3.2 El circo
Es el edificio más grande de todos. Tiene su raíz en el estadio griego. Se destinaba a las carreras de cuadrigas y otros ejercicios atléticos. Su planta es rectangular alargada y los
graderíos están en los dos lados largos y en uno de los cortos que acaba en redondo. El otro lado corto es recto y en él se sitúan las cárceres o cuadras de salida para los carros. La pista de arena está dividida longitudinalmente por la espina, ornamentada con esculturas, obeliscos y el podium.

Circus Maximus de Roma

En los extremos de esta espina es donde se situaban la meta y la salida. Los vencedores salían por la Porta Triunfalis situada en el lado corto curvo. Debió ser importante el Circus Maximus de Roma pero no ha llegado ninguno hasta nosotros.

3.4 Monumentos triunfales y conmemorativos
3.4.1 El arco de triunfo
Es una auténtica creación romana. Se localizaban en lugares estratégicos: en los foros, en los puentes para pasar por debajo de ellos, en las fronteras para delimitar territorios, sobre una vía pública importante o en lugares donde se había producido algún hecho triunfal del personaje al que se dedicaba. Es un monumento estatalista que sirve para engrandecer al Imperio y a quienes le sirven.
Hay varios tipos de arcos de triunfo: suelen ser de planta rectangular pero también los hay de planta cuadrada, con un sólo arco, con tres y el mayor más grande, con los tres iguales o, si es de planta cuadrada, con cuatro, uno en cada fachada, con vanos abiertos
encima de los arcos laterales o sin ellos.
Se adornan con varias columnas adosadas o no pero todas encima de un pedestal o podium y sujetando un entablamento que soporta una franja superior llamada ático, lugar donde se esculpían relieves o inscripciones conmemorativas.
Su estructura suele ser en retícula con cuatro líneas verticales y otras cuatro horizontales formando nueve espacios más o menos delimitados.
Sabemos que ya existían en la época republicana pero los más importantes son del Imperio y, por supuesto, dedicados a emperadores.
El primero es el arco de Tito del siglo I y cerca del Foro romano.

Arco de Tito

De un solo vano central con dos más pequeños simulados en los laterales. Tiene cuatro columnas adosadas sobre podio, su entablamento y un ático con inscripciones. El arco de Séptimo Severo es posterior y se encuentra en pleno Foro romano. De tres arcos con el central más grande, cuenta también con cuatro columnas sobre podio y con los muros adornados con relieves. Después el entablamento y el ático con inscripciones. Pero el más importante es el de Constantino de época muy posterior -s.IV-. De tres arcos con el central mucho mayor, el esquema general es igual que los anteriores: cuatro columnas sobre podio que sujetan un entablamento que separa un ático dividido en tres partes para continuar las líneas de las columnas con pilastras adosadas. Es un arco muy barroco, recargado de ornamentos, relieves y medallones encima de los arcos laterales y una inscripción en la zona central.

3.4.2 La columna triunfal
También se erige en conmemoración de hechos y personas y también es algo auténticamente romano, sin precedente alguno. Son de grosor variable, normalmente marmóreas. Se levantan sobre un pedestal y a veces tienen escaleras interiores para subir hasta la escultura que corona la columna. Suelen ir decoradas con relieves.
De entre ellas hay un tipo llamada rostral porque tiene similitud con la rostra o mástil de un barco romano. La columna rostral de Cayo Dulio es del siglo III a.C. y recuerda el triunfo naval del cónsul Cayo Dulio contra los cartagineses durante la primera guerra púnica.
Pero la más importante de estas columnas es la Trajana del año 113, con cuarenta metros de altura, una escalera interior y coronada por una escultura que ahora es la de San Pedro pero porque fue cambiada por la del emperador Trajano, al cual se dedicaba. Conmemora la victoria de Trajano sobre los Dacios. Sus relieves son una banda continua que sube en sentido helicoidal desde la base hasta la punta y que narra los pasajes triunfales de la batalla con un sentido narrativo continuo y sin pausas.

Columna Trajana.

3.5 Obras de ingeniería.

3.5.1 El acueducto
Es una construcción práctica y funcional pero bella a la vez. Servía para abastecer de agua a las ciudades. El más grande de todo el Imperio es el de Segovia, de tiempos de Augusto y Trajano. Tiene 728 metros de largo y doble línea de arcos superpuestos y
ejecutados a base de sillares perfectamente tallados y dispuestos sin argamasa.
Son también importantes el de Las Ferreras en Tarragona y el de Los Milagros en Mérida.

Acueducto de Segovia


3.5.2 El puente
Es el resultado de una calzada sobre un puente. Las calzadas atravesaban todo el Imperio y cuando éstas debían atravesar un río los romanos no dudaban en construir puentes enormes que a la vez que obras de ingeniería son también obras de arte. El de Alcántara fue mandado construir por Trajano en el año 105 sobre el río Tajo y con un arco de triunfo en su parte central.
El puente sobre el río Gard en Provenza es un puente acueducto donde la primera serie de arcos soporta la calzada por donde pasaba la vía gala y sobre ella se alza una segunda serie de arcos que soportan un acueducto de agua por encima. Así una sola obra tenía una doble función.

El puente sobre el río Gard

Tanto en puentes como en acueductos sobre ríos, procuraban que los cimientos no cayeran dentro del lecho para evitar la erosión de los pilares y si no había más remedio, estos pilares se remataban en vértice para hacer menos resistencia al agua. Los puentes romanos casi siempre eran de calzada recta, mientras que los puentes con “chepa” suelen ser medievales.

3.5.3 La calzada romana
Era la mejor obra de ingeniería, de una técnica superior y la prueba está en que aún se conservan casi todas. En sección tiene varias partes: una solera de tierra fina y pisada, sobre ella bloques más o menos regulares y sobre ellos una capa de piedras redondeadas de río y unidas con argamasa. Después el sistema evoluciona: solera de piedra más o menos regular, después barro o tierra bien apretada, después una capa de piedras redondeadas o cantos de río y después una capa de argamasa para cubrir los huecos entre piedra y piedra.
Las vías más importantes eran la Appia que recorría Italia de Norte a Sur, la vía Aemilia que iba hacia el Noroeste por el sur de Francia y la vía Flaminia hacia el Noreste y el Danubio. En España la más importante era la vía Augusta que, pasando por Tarraco, iba en diagonal hasta Eméritas.

via Appia.

4 La escultura romana
En escultura conviven influencias helenísticas y etruscas a partes iguales. De influencia
helenística son las numerosas esculturas de tema mitológico de los siglo II y I a.C. cuando fue conquistada Grecia. Las innumerables Venus, Dianas, Júpiter, Marte, etc, que no son sino copias que los romanos hacían en serie sobre las originales griegas de época clásica y helenística. Muchos de estos originales se perdieron y hoy conocemos la escultura griega clásica a través de las copias romanas.

4.1.1 El retrato
Es capítulo aparte ya que los romanos lo cultivaron con especial esmero (cultura más
individualista). A diferencia del griego, el romano es un retrato realista, que resalta los rasgos individuales, sin omitir los defectos. Parte del retrato helenístico pero lo supera ampliamente. También influye el retrato realista etrusco pero, sobre todo, en él se plasma el sentido objetivo, realista y positivista del romano.
El retrato siempre iba policromado aunque quedan pocos restos de color. El origen de este afán por el retrato quizá esté en las Imagines Maiorum, máscaras de cera que solían hacerse a los difuntos para guardarse en el larario como recuerdo y veneración a los antepasados. Era el positivo de un negativo real con lo que el parecido era absoluto.
En la época republicana el interés se centra en la cabeza y sólo se retrata de cuello para arriba.
Luego el retrato se irá ampliando. Son retratos de gran realismo, reproduciendo arrugas y expresiones severas. La primera obra en el tiempo es el retrato de Lucius Junius Brutus fechada en el siglo IV a.C. y se duda sobre si su autor es romano o etrusco (es difícil porque entonces no hay división artística entre Roma y el resto de las ciudades etruscas). La técnica de fundición es etrusca pero el personaje es sin dudad romano, se trata del Libertador que en el año 509 expulsó al último rey etrusco de Roma. Los
ojos son de pasta vítrea para acentuar la profundidad de su mirada, el rostro
es grave y severo, la expresión seria pero serena. Hay una buena técnica en
pelo y barba.
El siguiente es el retrato de Pompeyo el Grande, del siglo I a.C. y es un retrato sólo de la cabeza. Hay un absoluto dominio técnico mediante el cual se realiza un estudio psicológico del personaje. Se esculpe u rostro que emana virtudes: una esbozada sonrisa que refleja la bondad, integridad, pureza y serenidad mental. Justo la imagen que debía
dar un político. (para que aprendan los asesores de imagen de los
políticos de hoy).
En el Imperio, a partir de Augusto se impone la moda griega, sobre todo para las clases altas, con un realismo distinto al republicano: se evitan los defectos que puedan afear los rostros y surge una cierta idealización, sobre todo cuando se trata de representar a los emperadores, como si el artista tuviera miedo, como si el retrato debiera servir para dignificar al representado. (el cónsul era hombre pero el emperador se acercaba a
Dios). En el retrato de Augusto de Prima Porta vemos un retrato idealizado que no refleja la expresividad de los anteriores republicanos, con buena técnica sobre el mármol pero se nota la voluntad propagandística al realizar la obra.
En época de Adriano aumenta la idealización pero con dos innovaciones: la aparición de la barba y la incisión de las pupilas en el iris que dan gran expresividad a los retratos. El busto abarca cada vez más cuerpo, llegando ahora por debajo del pecho.
En la época de los antoninos el retrato se recarga, se “barroquita”. La barba y la cabellera se rizan y entrecruzan desmesuradamente, practicando el trépano
constantemente. Aparece una mayor idealización para una mayor dignificación y nace así el retrato ecuestre, por ejemplo el de Marco Aurelio, realizado en bronce y situada en la plaza del capitolio de Roma, una escultura que va a tener mucha importancia en el renacimiento italiano.
Caminamos hacia una idealización cada vez mayor que conlleva una “estereotipación” y
decadencia del retrato, una decadencia que coincide con una decadencia
económica, militar y política de todo el Imperio.
A partir del siglo III comienza la lenta agonía del Imperio Romano de Occidente y con ella el retroceso cultural más importante que ha sucedido en toda la Historia. Con la dinastía de los Severos en el poder, comienza la decadencia del retrato. Aparece el retrato de Caracalla, retrato de perfil ampliado por debajo del pecho y en bronce.
Mucho más idealizado que real y expresivo. Con un pelo y una barba muy rizados tal y como era la costumbre y unos pliegues muy duros en la túnica que lleva. A partir de Constantino el retrato de aparta cada vez más de la realidad preludiando la estilización bizantina y el primitivismo medieval.

retrato de Caracalla

4.1.2 El relieve
En época republicana casi no se da pero en el Imperio adquiere mucha importancia el relieve histórico. Es un medio más propicio que el tridimensional o exento para la representación de escenas complejas, anecdóticas o realistas. Los temas casi siempre son históricos y se desarrollan de forma narrativa y continua, representando campañas militares, hechos conmemorativos y ceremonias religiosas.
Surge el gusto por el paisaje y proliferan los ríos, colinas, árboles y plantas, guirnaldas de flores, etc. Los primeros en el tiempo son los relieves del Ara Pacis o altar de la paz que levantó Augusto cuando terminó de conquistar el Mediterráneo. Adornan el
interior y el exterior del Templo con temas alusivos a la procesión del cortejo imperial dirigiendo sus ofrendas hacia el altar. Es un bajo relieve en piedra caliza con una gran técnica en los pliegues de los vestidos.
En el Arco de Tito los relieves ocupan las paredes interiores y muestran el estilo ilusionista de la época flavia. Es un desfile militar con cetros y estandartes donde los victoriosos romanos saltan alegres y los vencidos van delante con las manos atrás.
Los relieves de la Columna Trajana ascienden de forma continua en espiral ocupando todo el fuste de la misma. Se narran episodios sobre la guerra contra los dacios. Es un bajorrelieve con una profusión enorme de elementos, humanos y de paisaje, apretados y
apiñados. Se simulan grandes construcciones al fondo pero con grandes defectos de perspectiva.

los relieves del Arca Pacis

5 La pintura romana
Gracias al enterramiento de Pompeya tenemos toda la pintura clasificada desde el siglo II hasta el año 79 a.C. y así podemos distinguir cuatro estilos:
1. · Estilo de incrustación: paneles coloreados en amarillo y rojo que imitan la policromía del mármol.
2. · Estilo arquitectónico: donde aparecen pintadas arquitecturas imaginarias que dejan ver por sus huecos paisajes en perspectiva.
3. · Estilo ornamental: con decorados arquitectónicos de influencia egipcia. No son
construcciones sino decorados arquitectónicos, columnas, ventanas, figuras humanas y
paisaje.
4. · Estilo ilusionista: mezcla del arquitectónico y el ornamental con gran fantasía de formas y colores.
Estos cuatro estilos se conocen como 1º, 2º, 3º y 4º estilos pompeyanos. Después de la
catástrofe del año 79 a.C. la pintura romana posterior sólo la conoceremos por referencias literarias.

6 El mosaico.
Se utilizaba sobre todo para la decoración de pavimentos, paredes, fondos de piscinas, etc. De temática variada, vegetal, animal, geométrica o histórica, se realizaba con dos técnicas diferentes:

1. · El opus tesellatum es la más frecuente y se forma a base de piedrecitas cúbicas o teselas y de varios colores. La tesela siempre tiene un color natural y están perfectamente escuadradas.

2. · El opus sectile son losetas irregulares pintadas una vez que se han colocado. Es un
sistema más fácil y barato y tiene más posibilidades de cara a las composiciones difíciles, pero se daba mucho menos.

opus sectile.

Preguntas de aplicación


1- ¿Cómo era la Basílica romana y qué funciones tenía?
2- ¿Qué eran los arcos del triunfo?
3- ¿Qué eran las columnas triunfales y cuál es la más importante?
4- ¿Cómo eran los relieves romanos?
5- ¿Cómo eran los mosaicos romanos?

Módulo 6, Ha. del arte: El arte griego

1. Contexto histórico

La importancia del arte griego (de toda su cultura) es enorme. De hecho podemos decir que es la base de la cultura europea y Occidental en general. Aún seguimos pensando como ellos lo hacían (filosofía racional), aún seguimos organizándonos como ellos lo hacían (democracia), aún seguimos construyendo y esculpiendo tal y como ellos lo hacían. Lo que ocurrió en la Grecia clásica fue un milagro cultural que los historiadores aún no saben explicar, una isla de humanidad en un contexto donde el hombre no valía nada. De hecho ese nivel cultural que afectaba tanto a las ciencias como a las letras y la
política, fue difícil de sostener y el brillo de Grecia fue aprovechado por Roma pero poco después desapareció, llegando a ser la sociedad idealizada, la meta y el único norte cultural para todo Occidente durante muchos siglos.
El arte surge de un período sombrío (S. X, IX y VIII) con una mezcla de lo nuevo y de lo viejo, de lo cretomicénico y de lo dórico. De hecho existen tres elementos constitutivos de la cultura griega:
Los dorios aportaron la rigidez, la dureza, el espíritu militar y deportivo, el estilo geométrico.
De las supervivencias cretomicénicas quedó el gusto por la belleza como algo ideal, utópico, el amor a la naturaleza, a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.
Pero no olvidemos que la pequeña Grecia tenía como vecinos al gigante Imperio Persa y a la civilización egipcia y su tradición cultural era mucho más antigua. por eso la influencia oriental de Persia y Egipto es también componente importante en la cultura
griega, el cual se manifiesta sobre todo en la majestuosidad y el gusto por lo fastuoso del período helenístico.
Se cree que las tribus que se convertirían en los griegos emigraron hacia el sur a los Balcanes en varias oleadas comenzando a mediados de la Edad del Bronce (alrededor de 2000 a. C.). Otras fuentes indican un proceso migratorio ya en el quinto milenio a. C., proveniente de Mesopotamia y Siria. Según éstas, los primeros inmigrantes encontraron habitantes nativos que dejaron a los recién llegados una gran cantidad de tradiciones; mientras que éstos llevaron a la zona la cultura de la alfarería, agricultura y una primera deidad de la fertilidad (que más tarde sería Deméter). Esta última versión, de ser exacta, negaría la existencia de un período neolítico en los pueblos autóctonos con anterioridad a la inmigración extranjera, situándolos en un período cultural más cercano al mesolítico.

Copa de oro micénica (circa 1500 a. C.).

El idioma protogriego se fecharía hacia el período que inmediatamente precedió a estas migraciones, ya sea a los finales del III milenio a. C. o a más tardar al siglo XVII a. C. La civilización de los protogriegos de la Edad del Bronce es generalmente conocida como heládica y precedió a lo que es conocido como «Antigua Grecia».

El período heládico, según algunos historiadores, puede ser dividido analíticamente en cuatro estadios bien delimitados:

Heládico antiguo (h. 2600 - h. 2000 a. C.). Conformado por poblaciones ceramistas de cultura agraria (posiblemente afines a carios y etruscos) que dominaban el territorio egeo; de lenguas no indoeuropeas.
Heládico medio (h. 2000 - h. 1600 a. C.). Conformado por poblaciones igualmente agrarias con pulimiento y enriquecimiento cromático de la cerámica. Comenzaron a usar el caballo y a realizar prácticas de inhumación de cadáveres (sin ofrendas).
Heládico reciente o Micénico antiguo (h. 1600 - h. 1400 a. C.). Período de sucesivas inmigraciones de pueblos ganaderos (aqueos, jonios), que conocían los metales, introdujeron el carro de guerra y el ámbar. Edificaron las fortalezas monumentales de Micenas, Tirinto y Pilos, y formaron urbes a sus alrededores. Comerciaban con Troya, Sicilia y la península itálica. Expandieron sus dominios y fundaron colonias en Mileto, Rodas, Panfilia, Licia y Chipre.

Micénico reciente (h. 1400 - h. 1150 a. C.). La llamada civilización micénica —en consideración a la posición privilegiada y dominante de Micenas, tierra de los aqueos— alcanzó su apogeo en esta época, que ocupa un importante lugar en los famosos poemas épicos de Homero, la Ilíada y la Odisea. Esta cultura colapsó espectacularmente hacia 1150 a. C. pero la causa del colapso es desconocida y existen varias tesis al respecto. Una de ellas atribuye el derrumbe de la civilización micénica a la invasión de dorios, beocios y tesalios. Según esta tesis, luego de incendiar y destruir las fortalezas micénicas, las tribus invasoras saquearon y ocuparon sus tierras. Una segunda tesis sostiene igualmente una invasión, pero de los pueblos del mar; una tercera lo atribuye a un desastre natural y, una cuarta, a conflictos internos. Este proceso coincide con el final de la Edad del Bronce y el sucesivo ingreso de la cultura griega en un período de «oscuridad» arqueológica y documental.
Durante el período en que la Grecia peninsular todavía resplandecía bajo la impresionante cultura micénica, en la isla de Creta se producía el florecimiento de la civilización minoica cretense con capital en Cnosos (1600 a. C. - 1250 a. C.). Esta civilización debe su nombre al semilegendario rey Minos. Los cretenses comerciaban por todo el Mediterráneo y exportaban cerámica, tejidos, objetos de bronce y orfebrería. Es probable, por su parte, que la cultura micénica se viera influida por la minoica, particularmente en el período de mayor esplendor de esta última. La sensación de poderío de los reyes de Creta era tal que las ciudades, palacios y templos cretenses ni siquiera estaban rodeados por murallas. Las excavaciones han encontrado maravillosas evidencias del auge y avance tecnológico del que gozaban los minoicos en ese entonces: lujosos lavabos, instalaciones de ventilación, pozos higiénicos, filtros, elaboradas pinturas y escudos de armas. En esa época era frecuente que los hijos de príncipes extranjeros fueran enviados a luchar con un toro en forma de sacrificio, y en tal sentido son interpretadas las representaciones pictóricas de jóvenes de ambos sexos bailando alrededor de un toro o luchando con él. Por su parte, esta práctica tiene su claro punto de contacto mitológico con la leyenda del Minotauro, «toro de Minos», que recibía periódicamente el tributo de varios jóvenes atenienses para sacrificio.

La civilización minoica pereció poco antes que la micénica; algunas versiones señalan que fueron invadidos por estos últimos, mientras que otras se inclinan a afirmar que la desaparición del reino de Creta se debió a una catástrofe natural.

La casa de Asterión
[Cuento. Texto completo]
Jorge Luis Borges

Y la reina dio a luz un hijo que se llamó Asterión.
Apolodoro: Biblioteca, III,I



Sé que me acusan de soberbia, y tal vez de misantropía, y tal vez de locura. Tales acusaciones (que yo castigaré a su debido tiempo) son irrisorias. Es verdad que no salgo de mi casa, pero también es verdad que sus puertas (cuyo número es infinito)1 están abiertas día y noche a los hombres y también a los animales. Que entre el que quiera. No hallará pompas mujeriles aqui ni el bizarro aparato de los palacios, pero sí la quietud y la soledad. Asimismo hallará una casa como no hay otra en la faz de la Tierra. (Mienten los que declaran que en Egipto hay una parecida.) Hasta mis detractores admiten que no hay un solo mueble en la casa. Otra especie ridícula es que yo, Asterión, soy un prisionero. ¿Repetiré que no hay una puerta cerrada, añadiré que no hay una cerradura? Por lo demás, algún atardecer he pisado la calle; si antes de la noche volví, lo hice por el temor que me infundieron las caras de la plebe, caras descoloridas y aplanadas, como la mano abierta. Ya se había puesto el Sol, pero el desvalido llanto de un niño y las toscas plegarias de la grey dijeron que me habían reconocido. La gente oraba, huía, se prosternaba; unos se encaramaban al estilóbato del templo de las Hachas, otros juntaban piedras. Alguno, creo, se ocultó bajo el mar. No en vano fue una reina mi madre; no puedo confundirme con el vulgo; aunque mi modestia lo quiera.
El hecho es que soy único. No me interesa lo que un hombre pueda trasmitir a otros hombres; como el filósofo, pienso que nada es comunicable por el arte de la escritura. Las enojosas y triviales minucias no tienen cabida en mi espíritu, que está capacitado para lo grande; jamás he retenido la diferencia entre una letra y otra. Cierta impaciencia generosa no ha consentido que yo aprendiera a leer. A veces lo deploro porque las noches y los días son largos.
Claro que no me faltan distracciones. Semejante al carnero que va a embestir, corro por las galerías de piedra hasta rodar al suelo, mareado. Me agazapo a la sombra de un aljibe o a la vuelta de un corredor y juego a que me buscan. Hay azoteas desde las que me dejo caer, hasta ensangrentarme. A cualquier hora puedo jugar a estar dormido, con los ojos cerrados y la respiración poderosa. (A veces me duermo realmente, a veces ha cambiado el color del día cuando he abierto los ojos). Pero de tantos juegos el que prefiero es el de otro Asterión. Finjo que viene a visitarme y que yo le muestro la casa. Con grandes reverencias le digo: Ahora volvemos a la encrucijada anterior o Ahora desembocamos en otro patio o Bien decía yo que te gustaría la canaleta o Ahora verás una cisterna que se llenó de arena o Ya veras cómo el sótano se bifurca. A veces me equivoco y nos reímos buenamente los dos.
No sólo he imaginado esos juegos; también he meditado sobre la casa. Todas las partes de la casa están muchas veces, cualquier lugar es otro lugar. No hay un aljibe, un patio, un abrevadero, un pesebre; son catorce (son infinitos) los pesebres, abrevaderos, patios, aljibes. La casa es del tamaño del mundo; mejor dicho, es el mundo. Sin embargo, a fuerza de fatigar patios con un aljibe y polvorientas galerías de piedra gris he alcanzado la calle y he visto el templo de las Hachas y el mar. Eso no lo entendí hasta que una visión de la noche me reveló que también son catorce (son infinitos) los mares y los templos. Todo está muchas veces, catorce veces, pero dos cosas hay en el mundo que parecen estar una sola vez: arriba, el intrincado Sol; abajo, Asterión. Quizá yo he creado las estrellas y el Sol y la enorme casa, pero ya no me acuerdo.
Cada nueve años entran en la casa nueve hombres para que yo los libere de todo mal. Oigo sus pasos o su voz en el fondo de las galerías de piedra y corro alegremente a buscarlos. La ceremonia dura pocos minutos. Uno tras otro caen sin que yo me ensangriente las manos. Donde cayeron, quedan, y los cadáveres ayudan a distinguir una galería de las otras. Ignoro quiénes son, pero sé que uno de ellos profetizó, en la hora de su muerte, que, alguna vez llegaría mi redentor. Desde entonces no me duele la soledad, porque sé que vive mi redentor y al fin se levantará sobre el polvo. Si mi oído alcanzara todos los rumores del mundo, yo percibiría sus pasos. Ojalá me lleve a un lugar con menos galerías y menos puertas. ¿Cómo será mi redentor?, me pregunto. ¿Será un toro o un hombre? ¿Será tal vez un toro con cara de hombre? ¿O será como yo?
El Sol de la mañana reverberó en la espada de bronce. Ya no quedaba ni un vestigio de sangre.
-¿Lo creerás, Ariadna? -dijo Teseo-. El minotauro apenas se defendió.
FIN
1. El original dice catorce, pero sobran motivos para inferir que en boca de Asterión, ese adjetivo numeral vale por infinitos.


Civilización minoica

Mapa de los principales yacimientos minoicos.

La civilización minoica es una cultura pre-helénica de la edad del cobre y del bronce, desarrollada en la isla de Creta entre los años 3000 y 1400 a. C. Su nombre es producto de que su descubridor, el británico Sir Arthur Evans relacionara el palacio de Cnosos, el más representativo de la cultura, con el palacio del rey Minos y la leyenda del Minotauro. Will Durant se refirió a este periodo como «el primer eslabón en la cadena europea».

No tenemos noticia de con qué gentilicio se denominaban los minoicos a sí mismos. Se ha afirmado que el nombre de lugar egipcio 'Keftiu' (*Káftiu kftiw) y el semítico 'Kaftor' o 'Caphtor' y 'Kaptara' que se encuentran en los archivos de Mari se refieren a la isla de Creta; «sin embargo, algunos hechos conocidos sobre Caphtor/Keftiu pueden ser identificados con Creta sólo con mucha dificultad», observa John Strange.

En la Odisea, compuesta varios cientos de años después de la destrucción de la civilización minoica, Homero llama a los nativos de Creta eteocretenses (verdaderos cretenses), quienes tal vez podrían ser los descendientes de los minoicos.


El límite geográfico
No es sólo la península de los Balcanes sino todo el escenario en el que se desarrolló la colonización griega, desde las costas mediterráneas de la península ibérica hasta las costas del mar Negro. Todo el Mediterráneo y el Mar Negro fueron los escenarios donde la cultura griega desplegó sus colonias llevando hasta allí la réplica cultural de sus metrópolis.

Grecia antigua y colonias.

En cuanto a la localización temporal podemos situar los inicios de la cultura griega en el siglo VII a.C. y finalizando en el 146 a.C. siendo ésta una fecha de referencia cuando la última polis griega independiente, Corinto, es conquistada por el Imperio Romano. No es que se acabe en ese momento pero sí empieza una nueva fase histórica donde Grecia no es sino una provincia más dentro de la civilización dominante romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar varias fases:
1.1 Época arcaica:
Fase de formación de la polis griega durante el siglo VII y ya en siglo VI fase de plena
expansión con la colonización mediterránea. Es una fase de ascenso cultural.

1.2 Época clásica:
Los frutos de la colonización convierten a las polis griegas en ciudades ricas y prósperas. Es la fase de plena hegemonía helena y de cenit cultural. A este siglo V también se le llama el siglo de Pericles.

1.3 Época helenística:
La colonización se ha paralizado y está en franco retroceso. Paralelamente comienzan las guerras civiles entre polis, las guerras médicas contra el vecino persa y la unificación del territorio heleno bajo la hegemonía de Macedonia. Por último, la cultura helena se extiende gracias al Imperio de Alejandro Magno, recibiendo influencias orientales. Todo ello lleva a un empobrecimiento económico y cultural, así como a un cambio en los valores humanísticos anteriores.
Uno de los elementos esenciales que propició este esplendor cultural fue la propia organización socio-política de los helenos en Polis. El concepto de polis es el de ciudad-estado, es decir, un conjunto de ciudades independientes pero con una cultura, una religión y un sentimiento panhelénico común (Olimpiadas p.ej.). La polis griega era algo completamente distinto a lo que se había visto hasta entonces y también a lo que se vería después. Era una agrupación de ciudadanos frente al gran imperio de súbditos, era una organización más pequeña, más simple pero más perfecta y humana.

Originalidades de la polis Imperios del Próximo Oriente

· Igualdad humana · Jerarquización radical
· Sistema político pseudodemocrático · Poder autocrático del rey
· Humanización de los dioses · Divinización de los reyes
· Sujeción al orden de la ley · Sujeción a la fuerza del rey
· Ciudades estado unidas por la cultura · Gran estado unido por la fuerza
· Arte esteticista, realista y humano · Arte simbolista, estatista y
religioso
· Pensamiento = análisis racional · Irracionalidad religiosa
· Filosofía para ordenar y entender la Naturaleza · Total ausencia de pensamiento
libre.

Otro de los elementos propiciatorios de este fenómeno cultural fue la religión griega. Era una religión sin dogma ni fe, sin un clero profesional (eran cargos públicos rotativos), y sobre todo, basada en el libre albedrío del hombre. Era muy importante como elemento cohesionador de las polis y del futuro sentimiento panhelénico, pero es una religión humanizada, con dioses con vicios y virtudes humanas. Era una religión que no solucionaba problemas de conocimiento, que permitía la investigación racional y lógica y que incitaba al Arte y a la belleza. De hecho la característica principal de los dioses era su belleza absoluta (belleza humana puesto que es una religión completamente antropomórfica) con lo cual se divinizaba la belleza.

2 El arte griego

El oficio de artista fue evolucionando desde un anonimato de origen oriental hacia la
manifestación de personalidades individuales. Frente a este anonimato como el egipcio, las obras griegas se firman y cada autor sigue una línea personal. Los mejores artistas incluso crearon escuela.
Estos artistas trabajan por todo el territorio helénico porque los contactos comerciales entre polis eran frecuentes. No obstante, los principales solían trabajar más para su polis, eran figuras reconocidas que vivían muy bien y eran aclamados por sus conciudadanos.

3 El nacimiento del urbanismo.

Para un ateniense, toda su ciudad era una obra de arte y el concepto de belleza debía ser global.
Para empezar existían tres elementos fundamentales a la hora de situar el emplazamiento de una polis: el militar, buscando siempre una parte alta o Acrópolis (es una pervivencia cretomicénica), el económico ya que el emplazamiento debía estar situado cerca del mar o en una encrucijada de caminos para facilitar la comunicación comercial y cultural y, por último, el criterio estético ya que el marco natural debía ayudar a hacer más bella la ciudad.
Con la colonización griega las metrópolis van creciendo en espacio debido a la prosperidad económica que conlleva el intercambio comercial con sus colonias. Este crecimiento se planifica siempre. Hasta entonces la mayoría de la gente vivía en el campo alrededor del núcleo urbano pero a partir del siglo VI la polis pasa de ser la capital del Estado a ser la ciudad-Estado donde reside la mayoría de la población.
Existen varios elementos esenciales en la distribución urbanística de las polis:
· La Acrópolis era la parte alta de la ciudad. Un recinto amurallado y fácilmente defendible donde se situaban también los templos y los tesoros de los dioses que protegían la ciudad.

Acrópolis de Atenas.

· El Ágora era la plaza principal de la ciudad y tenía dos funciones: una política ya que era la plaza abierta donde se reunía periódicamente la Asamblea o conjunto de todos los ciudadanos para tomar, por votación, las decisiones más importantes. Pero pronto adquirió otra función comercial y alrededor del Ágora vivían artesanos y comerciantes, junto a las casas de los aristócratas (los que no vivían en las grandes y lujosas villas cercanas a la ciudad).

el ágora ateniense y la stoa alrededor

· La Stoa eran los pórticos cubiertos que rodeaban el ágora, daban cobijo a la gente y allí se situaban los comercios. Estas stoas porticadas continuaban por las calles principales de la ciudad.

· El Gimnasio y la Palestra eran los lugares de ocio y esparcimiento, allí se
practicaban ejercicios físicos a la vez que eran centros de reunión cívicos, a modo de
paseos decorados con columnas a ambos lados. Se situaban en los márgenes de la
ciudad.

El Pompeion, gimnasio del siglo V a.C

· El Teatro era el edificio más importante de la ciudad junto
con los templos. Era el espectáculo predilecto de los helenos y se originó en un espacio circular al aire libre (orchestra), en el que se ejecutaban unas danzas. Un lugar de tierra lisa y compacta dispuesto para la representación de cantos corales, una de cuyas variedades, el llamado ditirambo, fue de acuerdo con la tradición, el progenitor de la tragedia ática.
El teatro estuvo en la Antigua Atenas, al igual que en muchas otras culturas, vinculado desde siempre a la celebración de determinados festivales y rituales de carácter religioso.

teatro griego de Epidauro


El Estadio era el otro gran centro cívico. De planta rectangular y con una cavea sobre el desnivel del terreno, servía para realizar diferentes juegos atléticos. Los griegos eran muy aficionados a estos deportes. Ellos crearon el concepto de deporte.
En general, el edificio en el arte griego está concebido como la armonía total de todas sus partes, pero más si cabe de cara al exterior. Se buscan los valores estéticos
globales, haciendo grandes conjuntos donde ningún edificio debía desentonar con respecto a los demás. Todos los edificios estaban proporcionados a la escala del hombre, realizados con los mismos materiales y con los mismos colores. Si en un edificio ninguna pieza debía ser desmesurada y se adaptaba al conjunto (sillares, columnas, etc), ningún edificio debía sobresalir en la ciudad. Más que arquitectura, los griegos hacían urbanismo.

estadio griego

4 La arquitectura.
Comenzaremos por enumerar algunas características generales que se repiten en todos los edificios griegos. En cuanto a los materiales, el adobe y la mampostería se sustituye por el sillar isódomo de piedra o de mármol blanco. Conocen el arco y la bóveda porque hacía mucho que se empleaba en Mesopotamia pero sólo utilizarán sistemas adintelados. Los elementos funcionales como los soportes (las columnas) serán objeto de estudio para volverlos auténticas obras de arte en sí mismas, en un intento de encubrir su miserable función de soporte. Prefieren las estructuras arquitrabadas porque son más serenas y estables, basadas en líneas horizontales y verticales.

arco y boveda


Templo.

La construcción más representativa es el Templo. Su origen es doble: el megaron cretense y la cabaña doria, ambos realizados en madera.

megaron micénico

Se destina a contener la efigie de una divinidad y sus tesoros y el culto siempre es en el exterior. En realidad la función religiosa no es más que un pretexto para dar rienda suelta al placer estético. El templo es un capricho, ganas de hacer algo bello para el ojo humano, aunque se destine a un Dios (con características humanas). Por eso existe una dicotomía entre un exterior muy decorado, estudiado hasta el más minúsculo detalle y un interior mucho más austero ya que el acceso estaba muy restringido. El templo estaba diseñado para las proporciones humanas, su ritmo, armonía y proporciones eran un intento de llegar a la perfección.

El templo es el edificio más característico de la arquitectura griega. Básicamente consistía en un recinto de planta rectangular, rodeado de columnas, cubierto por un tejado a dos aguas. Se construía en una colina o recinto sagrado, llamado «Témenos», a cierta distancia de la ciudad.
Estaba concebido como el lugar donde vivía el dios. En el interior del templo no tenía lugar ninguna ceremonia religiosa en la que participaran los fieles, simplemente servía para alojar la estatua del dios al que estaba dedicado. Las ceremonias se celebraban al aire libre en el altar situado frente al templo. El conjunto de columnas (peristilo) que rodeaba el templo delimitaba una galería alrededor de toda la estructura denominada «corredor o deambulatorio» que permitía caminar alrededor del templo durante las celebraciones religiosas y ser visto desde el exterior por todos sus lados, por tanto, se concedía gran importancia al aspecto externo: proporciones, elementos decorativos y colores.
De los dioses olímpicos los más importantes y a los que se consagraron la mayoría de los templos fueron Zeus, Hera y Atenea.

templo de Era

PARTES DEL TEMPLO GRIEGO
Los templos griegos se construían con tres partes muy definidas:
- Pórtico o Pronaos, vestíbulo que precede a la naos, se trata en realidad de la prolongación longitudinal de los muros de la cella o naos, rematados con una especie de pilastras denominadas «antas».

- Naos o cella, cámara central generalmente de forma rectangular, con tres naves separadas por columnas, donde se aloja la estatua del dios.

- Opistódomos, cámara situada en la parte posterior del templo en la que se guardaban los objetos de culto y el tesoro. No tenía comunicación directa con la cella o naos y el acceso se realizaba desde la parte posterior del templo. Esta cámara sólo se encuentra en los templos de mayor tamaño.

partes del templo griego

TIPOS DE TEMPLOS

Según el número y posición de las columnas encontramos cinco tipos básicos de templo:
1. «IN ANTIS», es el más sencillo, quiere decir con «antas» (prolongación de los muros de la naos hacía delante para formar el pórtico). Este templo consta de una naos o cella y un pronaos generalmente con dos columnas. Estos templos son de pequeño tamaño y también se les denominaban «tesoros», porque servían para depositar ofrendas.

2. «PRÓSTILO», en la fachada de entrada tiene cuatro columnas delante del pórtico.

3. «ANFIPRÓSTILO», tiene columnas en la fachada y en la parte posterior del templo. Se trata de un tipo poco frecuente. El más característico es el templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas.

templo anfipróstilo

templo de Atenea Niké

4. «PERÍPTERO», tiene una serie de columnas que delimita los cuatro lados de toda la estructura del templo. Generalmente es el de mayor tamaño y de este tipo suelen ser el 90% de los templos griegos.
Hay varios tipos de templos perípteros según el número de columnas que tiene en el lado corto. Si tiene seis se llama «períptero hexástilo», si ocho «períptero octástilo», si diez «períptero decástilo» y si doce «períptero dodecástilo».
En los templos perípteros el número de columnas del lado largo debía de ser el doble del número de columnas del lado estrecho más una.

templo períptero

5. «THOLOS O MONÓPTERO», templo circular con una naos circular y un número variable de columnas. Su cubierta es cónica y eran característicos del siglo IV a.C.

Tholos de Atenas.

ALGUNOS COMPONENTES DE LA FACHADA DE LOS TEMPLOS GRIEGOS
frontón o frontis
Remate triangular de una fachada o de un pórtico en los lados menores de los templos griegos con tejado a dos aguas. El fondo se denomina tímpano y se decora con relieves y esculturas.
tímpano
Espacio triangular comprendido entre las dos cornisas inclinadas de un frontón y la horizontal de su base.
entablamento o cornisamento
Conjunto de molduras horizontales sostenidos por columnas o pilares que coronan un edificio. Se compone de arquitrabe, friso y cornisa.

ARQUITRABE: Parte inferior del entablamento que descansa directamente sobre los capiteles de las columnas y está formado por una única pieza de piedra que cubre los intercolumnios.

FRISO: Parte central del entablamento, entre el arquitrabe y la cornisa. Se decoraba con metopas y triglifos.

METOPA: Espacio entre dos triglifos del friso dórico que generalmente se decora con relieves.

TRIGLIFO: Decoración con tres bandas verticales en el friso dórico.

krepis o crepidoma
Basamento del templo griego, elemento de transición entre el suelo natural y el edificio. Está formado por tres escalones, dos inferiores que en conjunto se llaman estereóbato y uno superior estilóbato, sobre el que se alzan las columnas.



Existían diferentes plantas de templo griego: Los había de planta circular llamados Tholos pero predomina el de planta rectangular y constan todos ellos de las siguientes partes:
1. La cámara rectangular central llamada Cella o Naos y que contiene la imagen en escultura del Dios. Puede ir con o sin columnas.
2. La Pronaos o pórtico abierto con muros laterales rematados por pilastras, una a cada lado y con dos columnas “in antis”.
3. En el extremo opuesto a la pronaos está el Opistódomos o falso pórtico sin comunicación con el templo y que sólo tiene la función de dotar al edificio de una estructura simétrica.
4. El templo se levanta sobre un basamento o Crepis formando una escalinata en todo el perímetro, normalmente con tres escalones, el último de los cuales, de donde nacen ya las columnas se denomina estilobato.
Según el número de columnas y su localización el templo tiene diferentes denominaciones: in antis, próstilo, anfipróstilo, períptero y díptero. Si es períptero o díptero, la línea de columnas que rodea al templo se denomina perístilo. El
templo tiene dos fachadas iguales, aunque una de ellas es la principal, la
que da acceso a la pronaos. Según el número de columnas la fachada
será tetrástila -4-, sexástila -6-, octástila -8-, etc.

Aunque se han perdido, los templos estaban policromados: azul en triglifos, rojo en las
metopas y los relieves también se policromaban para darle al edificio un aspecto alegre y vivo.
Era tal la perfección que buscaban en estas obras que incluso intentaban subsanar los defectos ópticos inherentes al ojo humano. No bastaba la perfección real sino que ésta debía ser vista por el hombre. Todo para conseguir una armonía visual. Así curvaban
hacia arriba el entablamento entero y el estilóbato para evitar la sensación de vencimiento por el centro . Inclinaban todas las columnas hacia adentro para evitar la sensación de caída.
Utilizaron por primera vez el éntasis de las columnas para aminorar el efecto de concavidad en el centro. El diámetro de las columnas era mayor en las de las cuatro esquinas para evitar la sensación de presión en esos puntos.
Los intercolumnios o espacios entre columnas disminuían hacia las esquinas para evitar la sensación de agrupamiento en el centro. En definitiva era la ciencia al servicio del Arte con un único fin: la perfección.


Órdenes arquitectónicos.

Para disimular la función de soporte (que es más práctica que estética), los griegos
reglamentaron un conjunto de normas que convertían a la columna en algo bello, en una auténtica escultura: Este conjunto de normas se denomina Orden Arquitectónico y es un tipo de unidad arquitectónica que conjuga tres partes: el pedestal, la columna y el entablamento. Existen en la Grecia clásica tres órdenes arquitectónicos: el dórico, el jónico y el corintio.

Orden Dórico: Proveniente de los dorios, es el orden más simple y geométrico de los tres. El pedestal es el propio estilóbato y la columna carece de basa. (Todas las columnas se componen de basa, fuste y capitel). Su fuste es estriado en arista viva y en sentido longitudinal. El capitel está formado por una moldura fina o collarino que sirve de transición entre fuste y capitel, un núcleo curvo en forma de plato llamado equino y sobre él un prisma cuadrangular llamado ábaco.

El entablamento dórico empieza por el arquitrabe, una gran pieza lisa que descansa sobre el ábaco. Encima va el friso, separado del arquitrabe por una cinta o tenia. El friso consta de triglifos, dos estrías en el centro y dos medias estrías en los lados, y metopas, placas cuadrangulares alternadas entre los triglifos y que solían ir adornadas con relieves. Más arriba está la cornisa compuesta por dos cuerpos, un alero liso o goterón y una moldura lisa o cimacio.

El orden jónico
Proviene de la región jónica del Egeo y es mucho más elegante y estilizado. El pedestal es el mismo que en el dórico pero la columna empieza con una basa formada por un plinto cuadrado y sobre él molduras cóncavas llamadas escocias y otras convexas llamadas toros, ambas alternadas. En ocasiones, esta basa apoya a su vez sobre un plinto, pieza prismática de planta cuadrada de poco espesor.
El fuste es acanalado pero de arista pulida y el capitel se une al fuste por un astrágalo decorado con ovas y perlas.

El capitel es el elemento más representativo de este orden y se reconoce por las dos volutas o espirales con que se adorna. Forman parte del equino que se completa con otros ornamentos en forma de ovas y dardos. El capitel se remata con un estrecho ábaco rectangular.

El equino se curva a los lados formando volutas y sobre él se sitúa el ábaco liso.
Su entablamento consta de un arquitrabe dividido en tres franjas horizontales donde cada una sobresale un poco con respecto a la que tiene debajo. Encima el friso es una banda lisa y continua decorada con relieves. Encima aparece una banda con dentículos que une friso y cornisa y, ésta última, es igual que la dórica.

El orden corintio

El orden corintio procede de la ciudad de Corinto, es el más reciente y el más evolucionado de los tres. Es una variante de creación tardía del jónico. Hasta el capitel todo es igual que el jónico. Éste se compone de dos filas de hojas de acanto, cuatro caulículos y una roseta en cada cara. El entablamento es muy semejante al jónico también.
El orden corintio es el más elegante y ornamentado de los órdenes arquitectónicos clásicos. Se atribuye su creación al escultor griego Calímaco en el siglo IV a. C. En lo esencial es similar al orden jónico, del que difiere básicamente en la forma y tamaño del capitel. Una de las construcciones más destacables ejecutadas según las pautas estilísticas del orden corintio es el monumento de Lisícrates en Atenas, levantado hacia 334 a. C.

monumento a Lisícrates en Atenas

El afán de esconder la función de sustentación llevó incluso a sustituir a las
columnas por auténticas esculturas que recibían el peso de la techumbre sobre sus
cabezas. Si estas esculturas eran femeninas recibían el nombre de cariátides y si eran
masculinas de atlantes.
Además el templo se adornaba con acróteras o esculturas en la techumbre de doble vertiente y con gárgolas o esculturas en las cornisas, las cuales recogen el agua del tejado y la sueltan al exterior por su boca. Como la techumbre era de doble vertiente, en
ambas fachadas se formaba un espacio triangular llamado frontón con un espacio interior o tímpano, el cual solía ir decorado en bajo o medio relieve y donde escultor y
arquitecto trabajan en colaboración. El escultor debía adaptar las esculturas al espacio disponible, con composiciones simétricas y el Dios venerado en el centro como eje central del triángulo.

frontón y tímpano del Panteón de Roma.

Los principales templos que han llegado hasta nosotros son el templo de Hera en Pestum, el tesoro de Sifnos en Delfos y el Tholos de Marmaria en Delfos, todos ellos del siglo VI.

Tholos de Marmaria, en el Santuario de Apolo en Delfos, ombligo del mundo para los antiguos griegos.

Pero las principales obras arquitectónicas están en el siglo V y en Atenas, allí se sitúa la fase de máximo esplendor. En el 447 Pericles encargó al arquitecto Ictinos en colaboración con el escultor Fidias el templo que debía albergar a la diosa protectora de la ciudad de Atenas, Atenea Parthenos.
Debía ser un templo de enormes proporciones, dórico, octástilo y períptero y realizado todo él en mármol blanco con adornos policromados. Ictino planeó la arquitectura en función del programa escultórico de Fidias. Su cella está dividida en dos partes desiguales por un muro transversal y en la parte mayor se situaba la escultura enorme de la diosa, realizada por Fidias en oro y marfil.
El opistódomos era muy pequeño y su techo se apoyaba en cuatro columnas de orden jónico. Cuando se terminó en el 432, era el templo dórico más perfecto y grandioso. En las esquinas los capiteles son mayores para adaptarse al mayor diámetro de las columnas. Las metopas también disminuyen su longitud hacia las esquinas y,
por eso, ningún triglifo coincide con el eje de las columnas. Todo el perístilo está inclinado hacia adentro dándole al edificio una configuración piramidal a la vez que
aumenta su solidez.

el Templo de Atenea Parthenos

Se mantuvo intacto durante 2100 años, pero en la guerra contra los turcos se utilizó como polvorín y estalló. Se sabe también que sufrió varios terremotos. También hay constancia de saqueos. Fue además iglesia bizantina, mezquita de los turcos e incluso cuartel militar. Ha sido atacado por la contaminación exagerada de la ciudad y hoy en día está en plena reconstrucción.
Compartiendo espacio en la Acrópolis de Atenas con el Partenón y muy cerca de él se sitúa el templo de Atenea Niké, es un templo jónico en miniatura. Es tetrástilo y anfipróstilo y con columnas de fuste monolítico, sin tambores y famoso por el friso decorado con el relieve que lo circunda.

el templo de Atenea Niké

También destaca de la Acrópolis el templo del Erectión donde podemos observar su tribuna de las cariátides.

Templo del Erecteión. (Nótese las Cariátides, esas columnas en forma de figura femenina)

De la época helenística sólo destaca el Altar de Zeus en Pérgamo (estamos en pleno declive artístico y económico). Es la muestra más significativa de los templos abiertos de este periodo. Se construyó sobre un alto zócalo decorado con relieves y que lleva a un pórtico jónico al que se accede por una escalinata. Ya no es un templo de proporciones humanas y en él se observa la grandilocuencia y la ostentación propia de los Imperios Orientales.

altar de Zeus en Pérgamo

El otro edificio importante del mundo griego es el teatro. Construido aprovechando la pendiente del relieve, tiene forma ultrasemicircular y consta de una cavea o graderíos
construidos en piedra.

Teatro de Epidauro

La orchestra donde se sitúa el coro (elemento fundamental en el teatro griego, donde los actores no hablan) y el proskenion o lugar donde se desarrolla la acción teatral. Hasta hoy nos ha llegado en buenas condiciones el teatro de Epidauro y el de Delfos.


5 La escultura griega.

Desde los inicios de la cultura griega la temática de la escultura griega, relieve, cerámica, estatuillas, etc, se centra siempre en la figura humana. De todas estas técnicas, la gran escultura de bulto redondo será la más propicia para plasmar la grandeza y la perfección con las que los griegos concebían el cuerpo humano.
Al igual que en la arquitectura, existe una periodización escultórica que es la siguiente:
· Período arcaico: del S.VII al 500 a.C.
· Período de transición o Estilo Severo: del 500 al 475 a.C.·
· Período Clásico: del 480 al 313 a.C.
· Período Helenístico: del 313 al 146 a.C.

Esta periodización coincide con las fases de alza y crisis económica y militar de la historia griega. Como en la arquitectura, la fase arcaica es de evolución hacia la perfección, la fase clásica es el cenit, la era de los grandes maestros y, la fase helenística es un período de retroceso cultural hacia formas más orientalizantes.

La escultura griega es una constante lucha por la perfección, una lucha contra los problemas de la anatomía humana, de la perspectiva, de la composición, de la expresividad, del “realismo idealizado”. Además de buscar el naturalismo porque la Naturaleza es bella, el escultor griego construye prototipos ideales de belleza que, extraídos de la realidad, confecciona con sutiles cálculos matemáticos y geométricos hasta llegar a las proporciones perfectas.

Tanto relieves como esculturas en bulto redondo van siempre policromadas, ya sean en barro, mármol o bronce, y todo para acentuar el realismo de la figura. Pero estas policromías han desaparecido. De los tres materiales el preferido es el mármol, el cual traían de la isla de Paros. Era el material noble, el más duradero y el que da acabados más perfectos. También trabajaron el bronce en escultura de gran tamaño.

5.1 Época Arcaica.
Las primera imágenes humanas aparecen en el siglo VII y son las xoana o imágenes religiosas en madera, de carácter hierático y de clara influencia oriental. Son conocidas por algunas copias en piedra que se hicieron posteriormente. La Dama de Auxerre es una figura de líneas elementales, actitud exvota, escultura bloque. De cintura para arriba se intenta dar un cierto naturalismo femenino. Se descubrió en Creta.

Dama de Auxerre

Otra xoana en piedra es la Hera de Samos, ya de la primera mitad del s. VI y con características similares.
En el siglo VI las prácticas de juegos atléticos se generalizó en todo el territorio helénico. Estos juegos van familiarizando a los griegos con el desnudo. Desnudo=belleza y poco a poco empieza esa exaltación del cuerpo humano. El Kurós (Kuroi en plural) son atletas vencedores en los juegos, héroes desnudos y representados de pie, con los brazos pegados al cuerpo y la pierna izquierda adelantada. Todavía
son figuras demasiado estáticas e inexpresivas, acusando un cierto frontalismo de influencia oriental, con los ojos demasiado prominentes y el pelo es una masa compacta surcada por líneas geométricas que caen sobre la espalda. Estos Kuroi irán evolucionando hacia un naturalismo y una elegancia cada vez mayor.

El kurós de Anavyssos.

La Koré es la escultura femenina (Koroi en plural), procedente casi siempre del
siglo VI y de la Acrópolis de Atenas. Se las representa sonrientes, vestidas y con el
cabello recogido en la nuca. Su evolución se evidencia sobre todo en la mejor organización de los pliegues de su vestido y de los cabellos, así como una mayor expresividad.

Koré de Peplos

Tanto el Kurós como la Koré iban siempre policromados. A esta época pertenece el
Moscóforo, un kurós llevando como ofrenda un becerro sobre sus hombros.
También se encontró en la Acrópolis de Atenas y conserva aún detalles muy
arcaizantes: sonrisa estereotipada, ojos saltones, esquema compositivo en X muy
geométrico, etc.

5.2 El Estilo Severo
La tipología de Kurós y Koré evoluciona en formas anatómicas, en pliegues de los vestidos, en peinados, se elimina poco a poco ese hieratismo, esa sonrisa arcaica inexpresiva. Así llegamos al primer tercio del siglo V donde la escultura atraviesa una fase de transición. La producción artística del estilo severo se caracteriza por una cierta idealización de la figura humana pero mucho más cercana a la realidad, expresión seria de la figuras (como contrapunto a la sonrisa arcaica), el equilibrio, la serenidad y la dignidad en el tratamiento de las divinidades.
El ejemplo más representativo del estilo severo es el Aúriga de Delfos.

Aúriga de Delfos


En esta época las técnicas del bronce adelantan a las del mármol (cera perdida). Esta es una obra en bronce atribuida a Pitágoras de Samos. Es la única figura del grupo que se conserva y muestra al conductor de una cuádriga victoriosa. Vemos en él todavía una cierta rigidez pero el naturalismo es muy superior al kurós arcaico.

Otro ejemplo de este período es el grupo de los Tiranicidas del broncista Kritios. En ellos vemos una gran evolución en cuanto al estudio de las anatomías, con poses muy definidas.

En cuanto al relieve destaca el tímpano del frontón del templo de Zeus en Olimpia.

Friso occidental del templo de Zeus en Olimpia

En él se relatan temas mitológicos: la lucha de lapitas y centauros presidida por Apolo en el centro. Son escenas de gran movimiento y violencia y este dinamismo contrasta con la quietud de las figuras anteriores en bronce. Ello es debido a que el relieve en mármol permite una mayor libertad de movimientos que la figura de bulto redondo. La sonrisa arcaica ya ha desaparecido y las actitudes son más naturales. Las posturas de los personajes se adaptan al esquema espacial del frontón triangular, abandonando la composición con escalas en descenso hacia las esquinas del tímpano.

5.3 La Época Clásica.
En este período aparecen los grandes maestros y cada uno de ellos aporta modelos y tipologías nuevas. por eso esta fase la vamos a estudiar por autores.
El primero es Mirón, contemporáneo de Fidias. Tiene rasgos que lo ligan aún a la escultura preclásica pero aporta muchas novedades. Los estudios de Mirón se centran en el estudio de la anatomía en movimiento y representa a sus figuras en posturas violentas. El Discóbolo es una atleta dispuesto a lanzar un disco y, para ello, el autor decide congelar un segundo clave, el instante de máxima torsión cuando el atleta concentra toda su fuerza en el giro. La anatomía esta tratada con un naturalismo acusado pero el rostro no va acorde con el resto del cuerpo, adolece de expresividad y su
cabellera tiene rasgos arcaicos. Mirón representa el estilo intermedio entre las formas antiguas y las plenamente clásicas de Fidias.

el Discóbolo de Mirón.

Polícleto también es contemporáneo de Fidias y su obsesión es conseguir la imagen del hombre ideal. Por eso buscó un canon o prototipo ideal investigando las proporciones más armónicas. Él instauró el canon de las siete cabezas (la altura del cuerpo debe ser siete veces mayor que la de la cabeza).
Entre sus obras destaca el Doríforo y representa a un atleta que porta una lanza.

El Doríforo de Polícleto

El momento que elige no es dinámico ni violento pero tampoco estático. El atleta está caminando relajadamente y él comienza con lo que se convertirá en una tendencia general: la contraposto

: consiste en separar la función de las piernas, apoyando todo el peso del cuerpo en una, mientras que la otra queda liberada, relajada y en semiflexión, apoyando en el suelo sólo con la punta de los dedos y ligeramente atrás. La postura arquea a su vez todo el cuerpo, el eje del torso e incluso el eje de la cabeza. Es una pose tranquila, relajada, elegante pero no estática, una pose que abandona el frontalismo. El rostro respira paz, es un rostro sereno y su mirada está como ausente, como si estuviera concentrándose para el ejercicio.
El Diadúmeno, también de Polícleto representa a un atleta atándose a la cabeza la venda de la victoria. La contraposto es más acusada y tiene una mayor curvatura en el eje del torso. Su expresión es también de concentración y serenidad, con los ojos cerrados y el cuerpo relajado. Esa paz, esa armonía y la belleza de unos cuerpos extraídos de la realidad pero llevados a la perfección, divinizados por su belleza, eso es lo que caracteriza al clasicismo.

Atenas impone en el siglo V su liderazgo cultural en escultura a través de la figura de Fidias, cuya influencia marcará el arte griego durante todo el siglo V. Lo que más destaca en Fidias es el tratamiento de los ropajes. Los abundantes y sinuosos pliegues
de las telas que se pegan al cuerpo como si fueran “paños mojados” no impiden hacer un buen estudio anatómico. Fidias es el escultor del equilibrio y de la perfección.

Fidias, relieves en el Partenón.


Pericles (Primer magistrado de Atenas) le encargó varios trabajos para la Acrópolis de
Atenas y allí se encuentran sus principales obras. Los frontones trasero y delantero del Partenón y el friso interior que rodeaba el edificio son suyos. En este friso se representa una procesión de doncellas guiadas por la diosa Atenea. Son posturas serenas, pliegues suaves como de paños mojados. La escultura en bulto redondo que representaba a Atenea y que se guardaba en la naos del Partenón también es obra de Fidias.

Atenea de Fidias

La representa como diosa de la guerra con sus atributos propios: el casco y la lanza. Este modelo es una copia en bronce del original realizado en marfil y oro y que se perdió ya en la antigüedad.

A finales del siglo V, la guerra del Peloponeso entre Esparta y Atenas supone el hundimiento político y económico de Atenas y el final de su hegemonía cultural. En el arte vemos cómo la idealización, la serenidad y el equilibrio del siglo V dan paso a la gracia, al interés por revelar los sentimientos y los estados de ánimo de los retratados, es un tipo de escultura más intimista y menos formalista. Surge una expresividad que rompe con el concepto de belleza ideal. Surge el movimiento y nace el retrato realista y no arquetípico del canon ideal.
Sin embargo y mientras todo esto sucede, existen algunos autores de transición que cabalgan entre el clasicismo del siglo V y el realismo expresivo del siglo IV. Entre ellos está Praxíteles, el cual intentó dar un aire psicológico a sus figuras, una expresión sutilmente melancólica. Prefirió los cuerpos de adolescentes modelados con suma delicadeza. La pose es siempre la misma: arquea el torso para apoyarse en un objeto lateral formando una contraposto exagerada, dando lugar así a una curva entre pierna, cadera y torso muy pronunciada. Esa curva se convierte en modelo: la curva praxiteliana y será copiada por muchos otros artistas posteriores.

El Hermes de Olimpia (Nótese el torso arqueado formando la famosa curva praxiteliana)

En el Hermes de Olimpia la función de sustentación es compartida entre la
pierna de apoyo y el brazo que descansa en el tronco. Incluso cuando no hay punto de apoyo, como en el Afrodita de Arles el cuerpo también se arquea en una contraposto acusada, formando la curva praxiteliana.

Scopas también pertenece a este grupo de transición, pero a él le interesan más los estados de ánimo pero con un carácter patético y atormentado que traduce su propio temperamento y las nuevas inquietudes del siglo que comenzaba.

La Ménade de Scopas

En la Ménade vemos un cuerpo en movimiento que se arquea tanto que casi llega a la convulsión. El dinamismo y la violencia de esta figura se alejan de los presupuestos clásicos y se acercan más al helenismo.

Lisipo fue el mejor broncista de Grecia. Fue un artista de renombre, retratista oficial de Alejandro magno, pero su tema preferido eran los atletas, vistos desde un prisma postclasicista. Les dota de una elegancia y una flexibilidad propias de Polícleto pero su tipo ideal es más maduro y con otro canon.

El Apoxiómeno de Lisipo

En el Apoxiómeno cambia el canon de las siete cabezas por el de siete cabezas y media, consiguiendo una figura más esbelta que la de Polícleto. En sus poses se muestran las ganas de recuperar el clasicismo anterior. Pero Lisipo también posee obras como el Hércules Farnesio donde la excesiva musculatura y la diartrosis perfecta rompe el esquema clásico.

Hércules Farnesio

Tanta abundancia de músculo no hubiera sido bien recibida un siglo antes. En
el Ares Ludovisi, dios de la guerra, la postura sentada pero no relajada puesto
que está en tensión, como si estuviera a punto de saltar para pelear, y su mirada
fija y concentrada en un punto, todo ello demuestra que son otras las
inquietudes de Lisipo, que mira hacia Polícleto pero también se deja influir por
las nuevas tendencias.

5.4 La Época Helenística.
A finales del siglo IV la escultura abandona ya definitivamente el equilibrio clásico y adopta otras características: tendencia hacia la orientalización, favorecida por las conquistas en el Próximo Oriente de Alejandro Magno, acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión, predilección por los temas fantásticos por un lado y de la vida cotidiana o escenas anecdóticas por otro, desarrollo de los retratos realistas, sin idealización y que se recrean en los defectos físicos, en lo feo, en la vejez, etc.
La Venus de Milo es quizá la ultima obra de carácter clásico que se da en plena época helenística.

La Venus de Milo.

Vemos en la curvatura de su torso reminiscencias de la curva praxiteliana y en ella aparece la idealización inexpresiva que buscaba la belleza ideal.
En el Niño de la espina, atribuido a Boetas vemos esas escenas de la vida diaria y anecdóticas que tanto se alejan de los prototipos ideales. Posturas consideradas hasta entonces irreverentes, ausencia de elegancia formal pero hay un aporte de naturalismo, de sinceridad y de calidad muy notables.

El niño de la espina

En cuanto a los retratos vemos en el retrato de Séneca esos rostros realistas que se recrean en los defectos físicos, o en el retrato de Homero donde el autor (anónimo) se recrea en la representación de la vejez, o en el retrato del tirano Lisímaco de Tracia donde el autor se recrea en la fealdad, acentuando su prominencia nasal al
esculpir el busto para ser visto de perfil.

Retrato de Lisímaco de Tracia

Son rostros realistas, sinceros y con una buena carga de introspección, retratos psicológicos que intentan definir el carácter de los retratados.
Hay tres escuelas escultóricas en este período:

5.4.1 La escuela de Pérgamo
Centro su temática en la defensa de la ciudad frente a los pueblos galos invasores. Un ejemplo es el Galo moribundo donde vemos una figura semitendida, dolorida, con una
anatomía ultrarrealista y de gran expresividad.

Galo moribundo

5.4.2 La escuela de Rodas
Tenía en su haber el famoso y gigantesco Coloso de Rodas, el dios Helios o dios del Sol, realizado en el siglo III por Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Pero la obra cumbre de esta escuela es la Victoria de Samotracia, atribuida a Pitócritos de Rodas y se data en el siglo II a.C.. En realidad era la proa de un barco y de ahí que sus ropas vayan hacia atrás como azotadas por el viento.

Victoria de Samotracia.

El dinamismo y la fuerza expresiva de esta escultura la convierten en una obra maestra. Otra obra maestra de esta escuela es el grupo de Laoconte y sus hijos
atacados por las serpientes que van a matarlos, según el pasaje de la mitología griega.

Laoconte y sus hijos

Es obra de varios autores: Agesandro, Atenodoro y Polidoro. Es un grupo de gran vigor, dinamismo, Hiperrealismo y fuerza expresiva. Él sintetiza por sí mismo toda la inquietud de este período.
De la isla de Rodas proviene también el grupo escultórico del Toro Farnesio realizado
en el siglo II por Taurisco y Apolonio de Tralles.

Toro Farnesio

En él vemos a un grupo de figuras intentando capturar y dominar al animal
mitológico. Como el anterior, este es un grupo de gran vigor, con escorzos y posturas forzadas y violentas. Si en el anterior veíamos una composición más o menos simétrica, en este último la composición tiende a ser piramidal pero en espiral para acentuar el dinamismo.


5.4.3 La escuela de Alejandría
Era la más alejada del Imperio Alejandrino. Situada en la desembocadura del Nilo, va a ser una escuela muy en contacto con el arte oriental y con la propia tradición artística egipcia. La obra cumbre de esta escuela es El Nilo, donde se representa a un río antropomórfico y como un dios griego. (ya sabemos que en la tradición religiosa egipcia se divinizaba al Nilo). El dios aparece como una figura poderosa pero en reposo, como un dios clásico y rodeado de niños que representan sus afluentes y contribuyen a darle grandiosidad.

Preguntas sobre el módulo:

1. ¿Qué era la Acrópolis?
2. ¿Qué era el ágora?
3. ¿Qué era la Stoa?
4. ¿Cuáles son las partes del templo griego? Haz una breve descripción de las mismas.
5. ¿Qué era un templo períptero?
6. ¿Qué era el kourós?
7. ¿Qué era la koré?